Al inicio del neoclásico los desnudos eran representaciones de dioses griegos, son desnudos irreales, tanto Goya como Courbet le dan mas realismo a las pinturas, ya no es una figura imaginaria, se llegaron a considerar obscenas por la Inquisición.
La maja desnuda (1790-1800)
Francisco de Goya
97cm x 190cm
Museo del Prado
Es una pintura con influencia neoclásica pero no pinta la clásica diosa griega, es una pintura real en la cual hay expresión en el rostro y movimiento en el cuerpo, es la primera obra conocida en donde aparece vello púbico.
También destaca la luz que Goya le da al cuerpo en contraste del fondo.
De esta pintura se creo también la maja vestida ya hubo críticas y protestas por crear un cuadro de desnudo tan real.
La fuente (1868)
Gustave Courbet
128cm x 97 cm Museo de Orsay, Paris
En esta pintura podemos ver un desnudo real, las curvas de la mujer se ven marcadas por el uso del corsé, al igual que Goya, Courbet deja a un lado los cuerpos de la mitología griega y pinta cuerpos reales.
EL sueño (Le Sommeil) (1866)
Gustave Courbet
135cm x 200cm
Museo del Petit-Palais, Paris
Museo del Petit-Palais, Paris
Esta pintura fue encargada por el turco Jalil- Bey.
En esta obra se la figura de dos mujeres dormidas la cual creo mucha crítica y polémica ya que para le época era un tema nunca antes pintado, se creo un debate si se trataba sólo de representar el sueño inocente de dos amigas o si se trataba de una obra sobre amor lésbico.
Mujer desnuda con perro (1861-1862)
(Femme nue au chien)
Gustave Courbet
65cm x 81cm
Museo de Orsay, Paris
Museo de Orsay, Paris
En esta pintura la modelo es Léontine Renaude, amante del pintor en dicha época.
El amor representado al perro es una metáfora del amor por el amante, el perro también es un símbolo de fidelidad.
En la pintura podemos ver un cuerpo redondeado, realista es una forma en la cual Courbet renueva los desnudos, y cuida más la pincelada.
Las representaciones artísticas también reflejaban la vida cotidiana, la situación por la que estaba pasando en ese momento, las manifestaciones políticas y tiempo libre.
El 2 de mayo de 1808 en Madrid,
La lucha con los mamelucos (1814)
Francisco de Goya
268cm x 347cm
Museo del Prado
Representa el comienzo de la guerra de independencia española contra Napoleón.
En esta pintura Goya le da un gran realismo desde la dimensión q le da con los caballos, el movimiento de los cuerpos caídos, el fondo un perfil de la arquitectura en Madrid sin dejar que la ese a principal pierda importancia.
El 3 de mayo de 1808 en Madrid, Los fusilamientos (1814)
Francisco de Goya
268cm x 347cm
Museo del Prado
Goya logra plasmar la lucha ente el pueblo español contra los franceses, este cuadro es pareja de 2 de mayo de 1808 en Madrid, donde la intención de Goya para hacer estos cuadros queda plasmada en una carta autógrafa del aragonés, donde escribe:
Siento ardientes deseos de perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa.—apudGlendinning (2005), pág. 120.
La pintura es oscura, muestra imágenes fuertes y bélicas que no se acostumbraba pintar en la época pero a la vez esta obra ha inspirado a diferentes pintores como Manet y Picasso.
El taller del pintor (1854-1855)
Gustave Courbet
359cm x 598cm
Museo de Orsay, Paris
En esta obra Coubert deja ver varias claves para entenderla, a la derecha, todos los accionistas, es decir los amigos, los trabajadores, los aficionados al mundo del arte, en la izquierda el otro mundo de la vida trivial, el pueblo, la miseria, la pobreza, la riqueza, los explotados, los explotadores la gente que vive de la muerte. Cada figura representa un valor distinto, y en medio de todo ello se encuentra Courbet acompañado por una mujer- musa, un niño y un gato, el se representa como un mediador.
Esta pintura no tuvo mucho éxito y fue rechazada por el Salón ya que presenta inconsciencias desde la perspectiva, la proporción, etc. fue destinada a la Exposición Universal de 1885 donde Courbet creo un Pabellón de Realismo.
Entierro en Ornans (1849)
Gustave Courbet
315cm x 668cm
Museo de Orsay, Paris
Este es uno de los cuadros mas reconocidos de Gustave Courbet, fue presentada en el Salón en 1850 y fue rechazada ya que el formato y el estilo de la pintura eran de una pintura de historia y esta solo representaba un episodio banal de un entierro de pueblo, pero a su vez esa pintura marco el nacimiento de el verdadero realismo.
El estilo de los pintores también fue un cambio importante en la historia del arte ya que la técnica cambia en el caso de Goya la pintura adquiere mas vida, mas expresión, ya no son cuadros tan trabajados en cuanto al acabado y en el caso de Courbet logra dar mas realismo a las pinturas, y muestra escenas de la vida diaria.
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Saturno devorando a su hijo (1823)
Francisco de Goya
143cm x 81cm
Museo del Prado
Esta es una de las catorce pinturas llamadas Pinturas Negras ya que se usan pigmentos obscuros y negros, y por lo sombrío de los temas que utiliza, esta obra se encontraba en la casa de Goya.
Desde el punto de vista psicoanalista es la representación de una impotencia sexual, junto con la pintura Judit matando a Holofernes, donde se presentan cuerpos mutilados.
Francisco de Goya
260cm x 195cm
Museo de historia de Madrid, España
En esta pintura el óvalo grande exhibía el cuadro de José I pero tras la batalla de los Arapiles el ejercito francés abandonó la capital y el ayuntamiento decidió borrar la figura de José I para poner la palabra constitución, pero meses después José I volvió a Madrid y Goya tuvo que pintar de nuevo el retrato, al finalizar la guerra los responsables municipales ordenaron a Goya que incluyera al rey Fernando VII pero el retrato era abominable y en 1826 se encargó a otro pintor que rehiciese el retrato del rey, en 1843 fue borrado y sustituido por la constitución de Cadiz, en 1873 el marques de Sardoal ordeno que borrasen de nuevo y que pusieran en el cuadro un letrero alusivo al Dos de Mayo, se dijo que al ser un hecho histórico genérico ya no estaría a discusión de cambios.
La pintura representa una figura femenina vestida de blanco con manto purpura, apoyada sobre el escudo de armas de la villa de Madrid, tiene a sus pies un perro que simboliza la fidelidad, y los ángeles con una trompeta en alusión a la fama.
Las cribadoras de trigo (1854)
Gustave Courbet
131cm x 167cm
Museo de Bellas Artes Nantes, Francia
En esta obra cada uno de los personajes esta aislado, no tienen relación entre si, la mujer sentada tiene dos dedos extendidos, mientras que la criba tiene una postura rígida y forzada.
Las dos jóvenes son las dos hermanas de Courbet, Zoé y Juliette y el muchacho podría ser el hijo ilegitimo del pintor.
El estilo que utiliza es influido por las estampas japonesas donde las figuras aparecen como recortadas con vestidos de colores fuertes, el espacio es claro en monocromía de grises y ocre, la postura de las cribadoras se repite en las actrices de teatro kabuki.
The Stone Breakers (1850)
Gustave Courbet
165cm x 257cm
Destruido en la Segunda Guerra Mundial
Es un icono de la vida campesina, fue inspirada en una escena que Courbet vio en al carretera de la fuerza del trabajo de estos dos hombres, y con esta obra se comienza la temática socialista en la pintura donde el pintor quiere democratizar el arte, analizando a la sociedad para cambiarla.
Se ocultan sus rostros enfocando solo en su labor claramente se pude ver que son obreros por su vestimenta y tanto las piedras, como los instrumentos y la cacerola se vuelven protagonistas en la composición, dando mayor realismo a la obra.
